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Michael Monroe - Sensory Overdrive (2011)

Escrito por melomania21 17-05-2011 en General. Comentarios (1)

 

 

Vaya por delante que nunca fui seguidor de Hanoi Rocks ni de la carrera en solitario de Michael Monroe, pero en cuanto vi el grupo que el rubio finlandés estaba armando para su nuevo lanzamiento me dije a mi mismo “¡Ojito con esto!”. Y es que una formación que cuenta con miembros de Hanoi Rocks, New York Dolls (Steve Conte y Sami Yaffa) y The Wildhearts (Ginger, ni más ni menos) no puede pasar inadvertida para cualquier fan del rock and roll.

 

Si eres de los que les gustar el rock directo, sucio, con algún toque de power-pop, este álbum tiene todos los números para ser de tus favoritos de aquí a final de año. “Sensory Overdrive” se llama la criatura y en media horita se basta y se sobra para pasarle la mana por la cara a Velvet Revolver o los últimos discos que han publicado Backyard Babies e Imperial State Electric. Así de claro.

Y es que el disco es un pepino tras otro. “Trick Of The Wrist” se encarga de recibirnos con un riff ramoniano a toda leche para luego rematar con ese saxo tan característico de Monroe. “’78” es todo un pedazo de single por el que cualquiera de los ex Guns N’ Roses daría la mano por escribir ahora mismo. “Modern Day Miracle” y “Center Of Your Heart” se encargan de volarnos la cabeza, mientras que Ginger deja notar su influencia en las powerpoperas “Superpowered Superfly” y “All You Need”.

Para rematar la faena, dos colaboraciones de auténtico lujo. La primera es la de Lucinda Williams en ese medio tiempo de aires country “Gone, Baby Gone” que es toda una delicia. Y luego el mismísimo Lemmy Kilmister hace lo propio en la final “Debauchery As A Fine Art”.

Discazo recomendadisimo para todo aquel que busque una dosis de buen rock acelerado y con pelotas. Si tenéis ocasión de pillarlos esta misma semana en su gira por nuestro país, ni os lo penséis.

 

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Fleet Foxes - Helplessness Blues (2011)

Escrito por melomania21 16-05-2011 en General. Comentarios (0)

 

Siempre suelo desconfiar de las publicaciones llamadas “especializadas” cuando encumbran a según que grupos en lo alto del panorama musical más “cool”. Esa especie de obsesión por querer estar siempre en la onda, buscando lo más de lo más para los enteradillos de la música siempre me ha echado para atrás… aunque a veces hasta aciertan y todo. Eso fue lo que pasó en 2008 cuando a todo el mundo le dio por encumbrar el debut homónimo de esta banda de Seattle.

 

Fleet Foxes es una joven formación del sello Sub-Pop con aspecto de hippies que se mueven por lo que ellos mismos llaman un “pop-folk de aires barrocos”. Escuchando su música de declarada vertiente acústica, uno encuentra fácilmente similitudes con Crosby, Still Nash & Young, las melodías vocales de los Beach Boys o incluso la manera de entender el pop aportando elementos menos habituales en este género al igual que los han hecho Arcade Fire.

Esta propuesta hizo que su primer disco fuese todo un éxito a nivel independiente gracias a piezas tan bonitas como “White Winter Hymnal” o “He Doesn’t Know Why”. Tres años después nos llega su continuación, Helplessness Blues en la que optan por seguir a lo suyo, sin grandes cambios pero reafirmando que tienen un estilo propio e inconfundible.

En un primer acercamiento es posible que pensemos que se trata de un trabajo bastante inferior a su predecesor. No encontramos temas tan directos, que nos hagan enamorarnos a la primera, aunque sin duda uno aprecia que sus señas de identidad siguen ahí: la delicadeza acústica, esos coros casi celestiales, el aire campestre que desprenden las composiciones. Si, todo lo que nos gustaba de ellos sigue aquí, pero no resulta tan brillante como antaño… o al menos a primera vista

Es por ello que con las siguientes escuchas empezaremos a apreciar todos y cada uno de los detalles que esconden temas en apariencia tan simples como “Bedouin Dress” o “Sim Sala Bim” donde se arrancan a todo trapo en su recta final. “Helplessness Blues” se nos destapa como el mejor corte del álbum en un ejercicio de folk que consigue emocionar con esa primera mitad más alegre y optimista y la siguiente en un tono más melancólico.

“Blue Spotted Tail” tira de intimismo para volver a sobrecogernos tras los ocho minutos de “The Shrine/An Argument” en la que muestran todo su poderío antes del estruendoso cierre capitaneado por violines y un desordenado ataca de instrumentos de viento que llega incluso a resultar inquietantemente molesto. Por fortuna en “Grown Ocean” vuelven a dar con la tecla para firmar otro de los mejores cortes del álbum demostrando que su puesto entre los grandes del neo-folk es más que merecido.

Así pues, este Helplessness Blues supera con nota la siempre difícil revalida del segundo disco, aunque para próximas entregas quizás deberían plantearse aportar ideas más arriesgadas, lo que no quita que posiblemente estemos ante uno de los trabajos favoritos para los medios de los que hablábamos al principio de aquí a que acabe el año.

 

 

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Letlive - Fake History (2010)

Escrito por melomania21 16-05-2011 en General. Comentarios (0)

 

He aquí otro agradable caso de un grupo que sin inventar nada especialmente nuevo consigue aportar un aire fresco a la escena. Los californianos Letlive se han encontrado con la suerte ver reeditado su tercer disco, “Fake History”, por ni más ni menos que Epitaph, en la que puede ser una de las grandes revelaciones de esta temporada a pesar de que se publicará el año pasado.

 

Fue el propio Brett Gurewitz el que decidió agenciarse a la banda para su propio sello tras escuchar el álbum. Y no es de extrañar, pues “Fake History” es un trabajo que dejará prendado a más de uno que tenga discos como el “Relationship Of Command” de At The Drive-In o “Worship & Tribute” de Glassjaw entre sus preferidos. Sin duda es al grupo de Daryl Palumbo al que más recuerdan, ya sea por su particular manera de entender el nuevo hardcore o el timbre de su cantante Jason Aalon Butler, que demuestra una gran variedad de registros.

El binomio “Le Prologue” y “The Sick, Sick, 6.8 Billion” nos da la bienvenida de manera enérgica, potente, pero también con clase y buen hacer como demuestran esos estribillos con melodías tan originales. “Enemies/Enemigos” cuenta con otro coro maravilloso que contrasta con la velocidad y furia con la que atacan sus piezas. En la parte central encontramos los mejores momentos como el single “Casino Columbus”, “Muther” que sorprende con un cierre de ritmos jazz con piano incluido o la bailable “Homeless Jazz”. Incluso se permiten el lujo de cerrar con una pieza de siete minutos perfectamente desarrollada como “Day 54”.

Sin duda nos encontramos ante un combo dinámico, explosivo, del que si se le permite desarrollar una carrera constante nos puede dar muchas alegrías en el futuro. Atentos a ellos.

 

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Marilyn Manson - Antichrist Superstar (1996)

Escrito por melomania21 15-05-2011 en General. Comentarios (0)

 

Pocos, muy pocos artistas han conseguido tener un impacto tan importante no solo a nivel musical si no social, durante una década revolucionaria para el rock como lo fueron los 90, como lo tuvo Marilyn Manson. Quizás solo Kurt Cobain le superó como personaje mediático en aquel entonces, pero lo cierto es que Brian Warner (su verdadero nombre) llegó a tener acojonado a casi todo un país como Estados Unidos allá por 1996.

 

Sus primeros pasos bajo el nombre de Marilyn Manson apuntaban a algo interesante. Un rock alternativo que bebía de fuentes como Alice Cooper o White Zombie entre muchos otros. Nada especialmente destacable aunque bastante bueno. Eso fue hasta que Trent Reznor, que venía de cosechar un gran éxito con “The Downward Spiral” de Nine Inch Nails, decidió colaborar con él para el que sería su segundo largo y trampolín hacia el estrellato: “Antichrist Superstar”.

La propuesta de la banda se volvió más dura, oscura e imponente. Dejaron de ser un grupo de serie-b a uno que realmente daba miedo. Su estética grotesca era completamente antagónica a lo que se supone que son los valores de la siempre políticamente correcta sociedad americana. La rumorología sobre que en sus conciertos se realizaban rituales satánicos, sexuales, o incluso amenazas de bomba durante los mismos, ayudaron a crear un personaje que estaba rompiendo moldes, siendo amado y temido a partes iguales.

Pero como analizar la importancia de Manson a nivel social daría casi para un artículo entero por sí solo, así que mejor centrémonos en el disco. Como hemos señalado, se trata del más sólido que haya hecho jamás. Compuesto por 16 canciones imprescindibles cada una de ellas, que se dividen en tres ciclos que relatan la transformación del personaje desde que es un capullo hasta que se convierte en el Anticristo Superstar. De la nada a un ser todopoderoso.

Musicalmente la mano de Trent Reznor se notó a nivel de producción e ideas. Con un sonido que supuso una piedra de toque más para el metal que vendría años después, encontramos clásicos del nivel de “The Beatiuful People”, “Irresponsable Hate Anthem”, “Angel With The Scabbed Wings” o “1996” que en algunos momentos llegaba a rozar el punk. Cortes más experimentales y retorcidos como “Cryptorchid” o “Minute Of Decay” ayudan a crear esa atmosfera apocalíptica y tenebrosa que tanto atrajo al público con una paleta de nuevos sonidos nunca antes vista hasta entonces.

Quizás mis dos momentos favoritos de todo el disco serían “Tourniquet”, todo un pedazo de single con una línea de bajo que me recuerda por momentos a Alice In Chains, y “The Reflecting God” una pieza perfectamente bien construida que bien podría resumir las cualidades de todo el álbum, antes de que la melancolía final de “The Man That You Fear” de paso a una orgía de sonidos experimentales e ininteligibles.

Posteriormente, el grupo consiguió aguantar el tipo durante un par de discos más: “Mechanical Animals” (con un cambio estilístico arriesgado y aplaudido, muy Bowie) y “Holly Wood”, pero mantener con vida a un personaje tan extremo como lo era Marilyn Manson no es nada fácil, y en la última década su decadencia a llegado a niveles vergonzosos de alguien que un día fue el azote de la nación más poderosa del mundo. Aún así, nadie le quita el haber firmado uno de los álbumes más impactantes de los 90.

 

 

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Vetusta Morla - Mapas (2011)

Escrito por melomania21 10-05-2011 en General. Comentarios (0)

 

El caso de los madrileños Vetusta Morla es uno de los más singulares de los últimos años en nuestro país. Debo reconocer que al principio desconfié y mucho de su repentino éxito ¿Cómo era posible que un grupo que llevaba 10 años en el circuito, que apenas nadie conocía, que acababa de sacar su primer largo, en poco meses fuesen elevados al Olimpo de los más grandes dentro del indie nacional? El efecto boca a boca tuvo mucho que ver en los primeros meses, pero después fueron los medios los que terminaron por ensalzar de forma exagerada al grupo.

 

Personalmente, “Un Día En El Mundo” me pareció un buen disco, con algunas canciones realmente buenas, pero que tampoco merecían ni de lejos tantos halagos como estaba recibiendo. Así que había mucha expectación con este siguiente trabajo, para poder comprobar si simplemente les había tocado el gordo de la Lotería o había algo más. Y con “Mapas” puedo decir que si bien sigo pensando que ni mucho menos son para tanto, si que tengo que empezar a reconocer que estos chicos son buenos en lo que hacen.

Para empezar hay que decir que este disco se sitúa claramente varios peldaños por encima de su antecesor, aunque a algunos les cueste verlo en un principio. Ni han dado salto cualitativo enorme, ni ha modificado en exceso su sonido y quizás incluso no haya temas tan cautivadores como “Copenhage” o “Salvese Quien Pueda” que enamoren a primera vista a los buscadores de singles para radiofórmulas. Lo que hay en “Mapas” es un trabajo consistente, lleno de pequeñas joyitas que, si todo funciona como debería, serán nuevos clásicos de su repertorio.

“Los Días Raros” abre la puerta de manera dubitativa, casi pidiendo permiso, de manera sosegada pero con un crescendo de esos que encandilan. “Lo Que Te Hace Grande” tiene todos los números para ser una de las favoritas del público. Las letras de Pucho siguen teniendo ese olor entre inocentes, misteriosas y extrañas a partes iguales y su voz suave se adapta como un guante a las necesidades que demanda cada tema.

Cabe destacar que aquí hay momentos en los que las guitarras y la percusión aportan mucho más músculo que en su debut. “En El Rio”, “Mapas” y sobretodo “El Hombre Del Saco” (tremendo ritmo) van a ser de los temas más celebrados en sus próximos conciertos, mientras que “Maldita Dulzura” se nos descubre como otra pieza hipnótica maravillosa.

Vetusta Morla han cumplido con creces entregando un disco más sólido que “Un Día En El Mundo”, viniendo a demostrar que lo suyo no fue flor de un día. Ahora queda por ver si el público que enloqueció con ellos hace tres años está dispuesto a hacerlo una vez más.

 

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