Al escuchar el debut de los gipuzkoanos Krilin, uno viene a preguntarse cuan fina es la línea en cuanto a calidad musical que separa a un grupo que tiene que buscarse la vida para ir a dar un concierto a una ciudad que está a cientos kilómetros de su casa y encontrar un sello dispuestos a publicar sus discos, de uno que llena estadios y cuenta sus lanzamientos por millones de copias vendidas. Digo esto por el que primer disco de estos absolutos desconocidos no tiene nada que envidiar a lo que bandas consolidadísimas como Muse, Deftones, Radiohead o Thrice sean capaces de ofrecer en sus discos, exceptuando el nivel de medios con el que son capaces de llegar a la gente. Y si creéis que exagero, dadle una escucha a este “When The Time Comes, There Will Be No Time”.
A pesar de haber tenido la suerte de grabar con uno de los productores con mayor reputación del panorama nacional como es Santi Garcia en sus estudios Ultramarinos de Sant Feliu de Guixols, Krilin no contaban con una discográfica a sus espaldas que les apoyase a la hora de lanzar su disco. Es por ello que decidieron aprovechar las herramientas que la red nos brinda y colgar el álbum en su blog y en su myspace para que todo el que quiera pueda descargarlo de manera completamente gratuita.
Centrándonos ya en lo estrictamente musical, el grupo ha sido capaz de juntar diferentes influencias de gente tan dispar como los grupos anteriormente mencionados y dar de esa manera con un sonido que si buen no es nuevo si que resulta fresco y sorprendente. Sin ir más lejos el arranque con “Elemental” nos demuestra que son una banda que sabe a lo que juega: un tema ambiental bien construido donde la voz va a su aire de manera majestuosa hasta que el tema explota de manera espectacular. Le siguen dos temazos como “Intoxication” y “The Myth Of The Sun” (con cierto regusto a los Deftones de “Around The Fur”) donde la melodía y las voces desgarradas se combinan a la perfección.
El binomio central que suponen “Honest” y “(ab)” es uno de los momentos álgidos del álbum. La primera es una elegante pieza acústica que empalma con la siguiente a través de un riff electrizante y en la que sorprenden con un guiño homenaje al “Creep” de Radiohead. Fantástico. Por si fuera poco el disco se cierra con otros dos cortes magistrales. “Why Hesitate” es una bonito medio tiempo con un estribillo arrebatador y “Some Like It Hot” vuelve a la dualidad de caña burra/melodía que tan bien saben manejar.
Sorprendente trabajo de una formación a la que habrá que seguir muy de cerca.
http://www.megaupload.com/?d=7ZJY6COT
Si bien es cierto que en cuanto a las listas de éxitos el rock español nunca ha gozado de gran popularidad, siempre ha habido gratas excepciones en las que una banda de rock ha estado arriba entre los que más venden. En los 90 Heroes Del Silencio eran un valor seguro tanto dentro como fuera de nuestras fronteras, Dover llevaron al gran público la explosión del rock alternativo y a comienzos del nuevo milenio eran Sôber los que triunfaban a lo grande codeándose en los puestos altos de los cuarenta principales.
Sin embargo, ya hace bastante tiempo que ese lugar para el rock patrio dentro del mundo mainstream ha quedado algo vacío. Bien es cierto que el negocio de la industria musical es caprichoso y va cambiando a pasos agigantados, pero si hoy en día habría un grupo capaz de llenar ese hueco, esos serían los valencianos Uzzhuaia.
Formados en 1993, la historia del grupo es la misma que la de muchos grupos de nuestro país. Un grupo de gente que a lo largo de los años ha tenido que ir currándoselo poco a poco, a base de tocar mucho, chuparse miles de kilómetros en una furgoneta y con cada disco ir dando un paso más allá en calidad. A día de hoy pueden presumir de tener cuatro LP’s a sus espaldas de los cuales el último, “Destino Perdición”, les ha hecho confirmarse entre los grandes del panorama nacional.
El sonido de Uzzhuia se podría definir fácilmente como hard rock de toda la vida, y como influencia clara los británicos The Cult (no podría ser de otra manera siendo Valencia la ciudad española con más seguidores de la banda) Algo que se nota desde las primeras notas de “Baja California” que abre el disco convirtiéndose de inmediato en uno de los clásicos en directo de la banda. “Cuando Ya No Quede Nada” es otro pepino hard rockero convincente con el vocalista Pablo Monteagudo en un estado de forma envidiable. “Destino Perdición” y sobretodo “Nuestra Revolución” habrían sido dos singles perfectos para sonar en las radios a toda hora si alguien les hubiera dador la oportunidad. Estribillos infalibles y unas guitarras poderosas son sus señas de identidad.
Lo mejor de todo es que en las 10 canciones que aquí encontramos, no hay ninguna balada ni tan siquiera un medio tiempo, lo que lo hace un trabajo directo y que entra muy bien. Solo en “Carnaval” se atreven a probar otros caminos con excelentes resultados. Y por si fuera poco, se permiten el lujo de terminar con un temazo matador como es “Desde Septiembre” donde narran las aventuras y desventuras de un grupo de rock cualquiera.
De seguir semejante trayectoria ascendente, quien sabe a donde podrían llegar estos chicos. Lástima que ya no haya lugar para el rock con mayúsculas en las listas de éxitos, pero con formaciones tan sólidas como Uzzhuia que nos regalen discazos como este “Destino Perdición” poco importará lo que suene en las radios.
http://www.mediafire.com/download.php?hzkjwnmnuxz
Al hablar de la explosión del rock alternativo de los 90 es inevitable que el nombre de Jane’s Addiction salga a la luz. Durante la segunda parte de la década de los 80, el grupo formado por Perry Farell, Dave Navarro, Eric Avery y Stephen Perkins fueron cultivando un rock excitante y novedoso para la época que quedaría estampado en el genial “Nothing’s Shocking”. Un artefacto que les emparentaba directamente con formaciones afines dentro de la ciudad como los Red Hot Chili Peppers, en su búsqueda por encontrar nuevas maneras de devolver al rock su lado más arriesgado y libertino.
Si los Guns N Roses en aquel momento era los tipos con las que todas las chicas de Los Angeles se querían acostar, Jane’s adoptaban una visión de la vida más espiritual y reflexiva, aunque no carente de orgías sexuales y drogas, lo que les daba una apariencia más mística.
Buen ejemplo de ello lo vemos en la portada de su segundo disco “Ritual De Lo Habitual”, del cual hablamos hoy. En el podemos ver tres figuras desnudas que representan a Perry Farell, su novia en aquel momento Casey Niccoli y su amiga Xiola Blue, una imagen que nos remite directamente a la canción “Three Days” de la cual hablaremos más adelante. Dicha portada fue censurada por mostrar dichos desnudos, y el grupo se vio obligado a realizar otra cubierta, en la cual solo aparecía sobre fondo blanco el nombre de la banda, el titulo del disco la enmienda de libertad de expresión de la constitución de los Estados Unidos sobre fondo blanco. Toda una declaración de principios.
“Ritual De Lo Habitual” es un disco que bien podríamos separar en dos mitades. La primera comprende los cinco primeros cortes en el que nos encontramos con la versión más directa y rockera del grupo. Un presentación con voz femenina en español da paso “Stop!” uno de los clásicos de la banda que muestra sus armas. Un bajo potente y creativo al mismo tiempo llenando mucho espacio, Farell cantando con toda la fuerza del mundo y regalándonos melodías maravillosas y un Dave Navarro (si, el novio de Carme Electra) disparando riffs funkys combinados con imaginativos y alocados solos de guitarra. Un combo de lo más explosivo.
En esa línea destacan pepinos de la talla de “Ain’t No Right” y “No One’s Leaving” donde parece que estamos ante unos Red Hot Chili Peppers en sus mejores tiempos. “Been Caught Steelin’” supuso su gran éxito comercial. Una canción que suena totalmente a Jane’s Addiction pero con un aire descaradamente poppie y alegre. Su letra trata de manera cómica los robos en los grandes almacenes.
Ya en la segunda parte del álbum es mucho más oscura, atmosférica y enrevesada, protagonizada por cortes que superan de largo los 5 minutos. “Of Course” destaca por sus arreglos provenientes del este de Europa y “The She Did” es una preciosa pieza en la que Perry habla sobre el suicido de su madre.
Pero sin lugar a dudas el punto álgido del disco, y podríamos decir que incluso de la carrera del grupo, es “Three Days”, que relata el fin de semana de sexo y drogas que el vocalista, su novia y su amiga Xiola Blue pasaron en Los Angeles poco antes de que esta última última falleciera por sobredosis. La canción se inicia de manera oscura y melancólica mientras que el tema va creciendo poco a poco hasta pasar al rock potente con un Navarro en estado de gracia. Impresionante.
Los cuatro miembros no pudieron soportar la presión del éxito que había supuesto sus dos trabajos hasta la fecha y decidieron separarse, siguiendo cada uno diferentes caminos (Perry formó su banda Porno For Pyros y Dave colaboró con distintos artistas entre ellos Red Hot Chili Peppers en su disco One Hot Minute, sustituyendo a John Frusciante). En 2003 se produjo su vuelta con el correcto “Strays” para volver a disolverse nuevamente. El año pasado hubo una nueva reunión que ha continuado hasta hoy con una gira mundial.
http://www.mediafire.com/download.php?u0imnajjzmm
Toda gran leyenda tiene un comienzo y el de Elvis Presley comenzó aquí. Tras dejar las filas del mítico sello Sun Records para formar parte de RCA. Con varios singles a sus espaldas llegó el momento de lanzar un LP completo y este debut homónimo fue el resultado.
En su primera referencia El Rey ya dejaba claro que era un autentico todoterreno capacitado para interpretar toda clase de estilos, ya fuese un rock electrizante a ritmo de clásicos de la época que él terminaría por hacerlos aún más grandes como “Bluede Suede Shoes” (Carl Perkins), “Tutti Frutti” (Little Richard) o “I Got A Woman” (Ray Charles), country, pop, gospel, baladas, rockabilly y lo que le echasen.
Esa polivalencia fue la que le hizo a lo largo de los años conseguir varios números uno en las diferentes listas de éxitos simultáneamente. La colección de temas aquí recogida es solo la punta de un iceberg gigantesco. “Trying To Get You” es country de calidad, “Shake, Rattle & Roll” pone de manifiesto sus raíces rockabilly, “Blue Moon” nada tiene que envidiar a su clásico “Love Me Tender” en lo que a emoción se refiere, y las revisiones de “My Baby Left Me”, “One-Sided Love Affair”, “Just Because” y su primer single de éxito “Heartbreak Hotel” explican el porque es considerado uno de los más grandes entre los grandes.
Todo interpretado con una voz millones de veces imitada pero nunca igualada. Imposible interpretar con tanta chulería y pasión semejantes piezas, solo Sinatra podría hacerle sombra.
Esto fue solo el principio, el resto (éxito internacional, giras, resurrecciones varias, problemas con las drogas y finalmente una de las muertas más rentables de la historia) es historia.
http://www.mediafire.com/download.php?15tgy2z1gmw
Cuando en agosto del año pasado se anunciaba la salida de Chris Ross y Myles Heskett, bajista y batería respectivamente, de Wolfmother, muchos fuimos los que recibimos la noticia como un jarro de agua fría. No solo porque aquello significaba un más que evidente retraso para la publicación de la continuación de su flamante disco de debut, sino porque incluso la continuidad de la banda australiana estaba en peligro. Por fortuna, el único miembro superviviente, el guitarrista y cantante Andrew Stockdale, decidió salir del apuro de la mejor manera posible: siguió componiendo y reformó el grupo (ahora son 4, con un guitarrista más). El resultado es “Cosmic Egg”, uno de los lanzamientos más esperados de los últimos años.
Lo primero que salta a la vista tras escuchar este nuevo trabajo, es que Andrew era y es el verdadero motor de la formación, ya que todo los que había de bueno en su primer disco homónimo lo encontramos multiplicado aquí, pero lo mejor de todo es que “Comsic Egg” no se queda solo en una versión mejorada de su antecesor, sino que va mucho más allá.
Ya desde el comienzo dejan bien claro que sus influencias del hard rock de los 60 y 70 siguen ahí. La mano de Led Zeppelín, Black Sabbath o Hendrix es más que patente en los riffs que nos encontramos en cada una de las canciones. Los momentos más directos nos llegan en forma de rock de muchos quilates (“California Queen”, “New Moon Rising”, “Cosmic Egg”, “Pilgrim”) donde las guitarras son las que mandan a base de mucho groove por las que sobrevuela la peculiar voz de Stockdale. No encontraremos un tema tan efectivo como “Woman”, aunque lo cierto es que la calidad que tienen estos temas es innegable.
Pero al igual que pasaba con su anterior trabajo, lo mejor lo encontramos en las canciones más extensas y elaboradas. “100,000 Feet” y “Sundial” son ejercicios de hard rock pesado con riffs de los que hacen afición. Mientras que “In The Castle” y la elegante “Violence Of The Sun” se nos presentan como dos de las mejores canciones de su catalgo desde ya mismo.
Con este segundo disco Wolfmother se confirman definitivamente entre los grandes de manera brillante, cumpliendo las expectativas y lo que es mejor, firmando un disco que no tiene miedo a rockear y destinado a un público mayoritario, algo que hacía mucho tiempo que no veía. Larga vida a Madrelobo!
http://www.megaupload.com/?d=2ZRW05QG
Que un automóvil fabricado hoy día es superior técnincamente a un modelo de hace 50 años es algo innegable, pero al mismo tiempo no se puede desmerecer la importancia que ha tenido este último para poder llegar a la excelencia del primero. Evolución lo llaman. Lo mismo pasa dentro del mundo de la música. Pongamos el ejemplo del metal. La música extrema que se practica en la actualidad puede que haya superado en velocidad y brutalidad a la que se hacía hace 20 años, pero no por ello los discos publicados en aquel momento han quedado obsoletos ni mucho menos. Un bueno ejemplo es la obra maestra de Slayer, “Reign In Blood”.
En una década como la de los 80 en la que el metal en todas sus variantes estaba experimentando cambios a pasos agigantados, el combo de California llegó para poner patas arriba un género como el trash metal que gente como Antrhax, Megadeth y sobretodo Metallica estaba llevando a altas cotas de popularidad. Pero la banda fundada por los guitarristas Kerry King y Jeff Hanneman (completada por el impresionante Dave Lombardo a la batería y el vocalista y bajista Tom Araya) llevó todo esto a un nuevo nivel.
Tomando como base las raíces del trash y aunándolo como la rapidez del punk-hardcore, Slayer dejaron su huella en la historia en apenas media hora, lo que duran las 10 canciones que componen este “Reign In Blood”. Desde el himno “Angel Of Death” hasta “Raining Blood” el disco es un viaje hasta el mismisimo averno a un ritmo espidico y trepidante. Las guitarras no cesan en ningún segundo de disparar diabólicos riffs al ritmo que marca la potente batería de Lombardo a una velocidad criminal mientras que Araya nos escupe toda su rabia en unos textos siempre cargados de sangre y violencia apocalíptica, convirtiéndolos en una banda no apta para el público más sensible.
Mención aparte merece la producción a cargo de Rick Rubin (capaz de trabajar con grupos de metal, rap, country, rock, pop con la misma eficiencia) que consiguió una de sus primeras obras maestras, amen de dotar al álbum de un sonido que en pleno siglo XXI no ha quedado desfasado.
Todas y cada una de las canciones que aquí se encuentran (“Jesus Saves”, “Epidemic”, “Piece By Piece”, “Criminally Insane”) son imbatibles una por una pero juntas forman un todo completamente insuperable y demoledor. Puede que a día de hoy encontremos a grupos más duros que Slayer, pero difícilmente que hagan tan bien esa mezcla de trash-hardcore que tan buenos resultados les ha dado.
http://www.mediafire.com/download.php?ouzjdz4hwvj
Posiblemente alguno se llevará las manos a la cabeza si digo que The Mars Volta siempre me han parecido un grupo sobrevaloradísimo. A excepción de su debut “De-Loused In The Comatorium”, el resto de sus posteriores trabajos se me han atragantado de mala manera. Nunca he sido capaz de asimilar su propuesta de rock progresivo lleno de viajes psicodélicos, cuando no he acabado con un dolor de cabeza enorme al terminar de escucharlos. Por eso cuando Cedric Bixler y Omar Rodríguez Lopez anunciaron que su quinto disco sería mayormente acústico pensé que tal vez fuese la oportunidad idónea para reconciliarme con su música. Y así ha sido.
Para empezar hay que matizar que este “Octahedron” sigue conservando ese aire de disco difícil que hace necesario darle muchas oportunidades para llegar a entenderlo al completo y que en algún momento puntual se les va la mano metiendo relleno en forma de ruiditos ininteligibles, pero comparado con sus anteriores LP’s esto parece casi un disco de pop.
Esta vez en lugar de recibirnos con una bofetada sónica a todo trapo, el disco comienza con “Since We’ve Been Wrong” de manera silenciosa hasta que hacía el minuto y medio aparecen unos elegantes acordes acústicos sobre los que Cedric va cantando de manera reposada y exquisita para dar con un estribillo precioso. “Teflon” aumenta el ritmo pero sin llegar a la locura a la que nos tienen acostumbrados, siendo un tema asimilable casi a la primera.
Y es que los que echen de menos la pegada imparable del anterior “The Bedlam In Goliath” apenas tendrán que conformarse con la breve “Cotopaxi”. Aquí lo que prima son los cortes más simples y etéreos como “With Twilight As My Guide” y la hermosa “Copernicus” donde voz y guitarra se bastan y se sobran para crear unas atmósferas que se asemejan en cierta manera a los Led Zeppelín más acústicos.
“Halo Of Nembutals” y “Desperate Graves” son las dos mejores canciones del disco con unos estribillos arrebatadores a cargo de un Cedric Bixler en estado de gracia a lo largo de todo el álbum, mientras el resto de la banda funciona de manera eficiente, demostrando que si estuviesen más centrados pocos grupos serían capaces de hacer frente a The Mars Volta en tareas compositivas.
Cerrando está “Luciforms” que recupera su vena más paranoica aunque de manera muy moderada, firmando así un disco que sus fans más acérrimos seguramente criticaran por su falta de riesgo, pero que tal vez era necesario para que el grupo se renovase en vez de estancarse en el sonido de sus dos anteriores referencias. En cualquier caso, yo mientras tanto seguiré disfrutando de esta maravilla que cada vez tiene más números para estar entre los mejores del año.
http://www.mediafire.com/download.php?mnncne2wdtw
Al igual que pasó con el grunge en su momento, muchas formaciones de metal que surgieron a finales de los 90 y principios del nuevo milenio tuvieron que vivir con la etiqueta del nu-metal colgada al cuello aunque poco tuvieran que ver. Les pasó a gente como System Of A Down, Slipknot o Incubus, que si alguna vez llegaron a tener algún rasgo que les emparentase con los cientos de clones de Korn de aquella época. Pero el caso de Amen es incluso más preocupante al tratarse de un grupo de lo que podríamos llamar punk-metal.
Si, he dicho punk-metal, porque a pesar de ser dos estilos absolutamente contrapuestos, Casey Chaos fue capaz de unir la velocidad y suciedad del hardcore con la contundencia del metal, pariendo así dos discos, su debut homonimo para Roadrunner y este “We Have Come For Your Parents”, que dejaron descolocado a más de uno que esperaba la enésima banda de chándal metal.
Y es que Amen en aquella época eran un grupo que dejaba en ridículo al 95% de las bandas de metal del momento, tanto en directo donde eran un autentico vendaval en el que Chaos parecía al borde de la muerte en cada salto y pirueta que ejecutaba, como en disco volándote por completo la cabeza. Pocos son capaces de reunir un material tan caótico y peligroso como el que aquí encontramos en forma de 14 cortes que son 14 patadas en la entrepierna una detrás de otra que responden a los nombres de “CK Killer”, “Refuse Amen”, “Mayday”, “Take My Head” o “Piss Virus” en los que no dejan títere con cabeza atacando los estereotipos de la sociedad americana.
Sin embargo y a pesar de lo directo y agresivo de su propuesta, encontramos algunos estribillos de lo más adictivos, pero lejos de poder ser emitidos en la MTV. “Justified”, “Hard To Be Free”, “Under The Robe”, “The Waiting 18” o el single “The Price Of Reality” cuyo video no es apto para sensibles son un buen ejemplo de ello.
Después, Chaos desapareció durante una temporada para volver en 2004 con “Death Before The Musick”, otro artefacto sonoro marca de la casa con el que acrecentaba su leyenda y que a día de hoy es el último disco oficial de la banda a la espera de que decida rearmar el grupo (siempre con constantes entradas y salidas de miembros) y ofrecernos otro excitante tratado de hard-punk.
http://www.mediafire.com/download.php?5mdinmmdeod
Cualquiera que haya escuchado minimamente a Tom Waits habrá percibido que poco tiene que ver con el modelo de cantautor americano tradicional como puedan ser Bob Dylan o Leonard Cohen. A pesar de que por parte de ciertos sectores siempre se le ha intentado asociar con una corriente intelectual y culta, lo cierto es que tanto su música como sus letras oscilan por el lado más oscuro y canalla de la vida.
Thomas Alan Waits nació en 1949 y ya desde muy joven empezó a tocar en locales de ambiente jazz donde comenzó a pulir su estilo y su voz a base de tabaco y alcohol. Y es precisamente a eso a lo que remiten sus primeros discos de los 70 como “Closing Time”, “The Heart Of A Saturday Night” o este “Blue Valentine” en los que se alimenta del blues y el jazz más mugriento, antes de iniciar su etapa de mayor reconocimiento en los 80 con trabajos como el atemporal “Rain Dogs” donde su música se nutre de estilos más bizarros aún.
Centrándonos en el álbum que nos ocupa, “Blue Valentine” está considerado como uno de sus mejores trabajos en esta primera etapa más clásica. Todo lo que vino demostrando en sus anteriores referencias alcanza aquí un nuevo nivel, acompañado de eficientes músicos se ponen al servicio de la voz desgarradora de Waits por la que su garganta gruñe historias de putas, vagabundos, borrachos y perdedores en general.
El inicio acompañado de una orquesta interpretando el tema “Somewhere” de West Side Story es posiblemente el momento más amable que encontraremos a lo largo del minutaje (aparte de una manera inmejorable de comenzar un disco) ya que este para nada es un disco fácil, ni tan siquiera para oídos acostumbrados a escuchar música distinta la que suelo colgar en este blog. Retorcidos cortes como “Red Shoes By The Drugstore” o “A Sweet Little Bullet From A Pretty Blue Gun” son una buena muestra de ello, asi como el extenso blues “$29.00”.
Los momentos más directos a la par que electrizantes y divertidos los encontramos en “Romeo Is Bleeding” y “Whistlin' Past The Graveyard” en los que Tom se muestra más locuaz y excéntrico. Pero sin duda alguna su punto fuerte reside cuando agarra el piano y te destroza el alma con tristes historias, “Christmas Card From A Hooker In Minneapolis” y sobretodo la emocionante “Kentucky Avenue”. Puro sentimiento, damas y caballeros.
Un disco a descubrir con paciencia y sin prisas, de obligada escucha en solitario por las noches.
http://www.mediafire.com/download.php?dzmrimhtdmy
Ya lo dijimos hace unos cuantos meses y ahora volvemos a repetirlo: A día de hoy no hay ningún grupo español al nivel de Berri Txarrak. El conjunto Navarro ha venido a confirmar por enésima vez su potencial por encima del resto con su nuevo trabajo “Payola”, su primera referencia para el todopoderoso sello de metal Roadrunner.
Si ya la creación del anterior “Jaio.Musika.Hil” resultó una prueba a superar por la salida de su antiguo guitarrista Aitor Oreja y la conversión del cuarteto a trío, ahora la banda tenía que hacer frente a la baja de Rubio, su bajista de toda la vida. Lejos de desanimarse, Gorka (voz y guitarra) y Aitor (bateria) siguieron trabajando en nuevas canciones y reclutaron a David González de Cobra, que lejos de ser una mera sustitución ha dado una vuelta de tuerca más al sonido de los de Lekunberri.
“Payola” representa todas las caras conocidas de Berri Txarrak, pero también las que ya se dejaban intuir en discos anteriores. “Folklore”, “Gure Dekadentziaren Onenean” o “Achtung” muestran sus raíces más hardcore con contundencia, a la vez que “Maravillas” y “Hasi Eta Bukatu” habrían encajado muy bien en “Jaio.Musika Hil”.
Pero lo que verdaderamente destaca, y ahí es donde más se ha notado la mano del nuevo miembro, es en los riffs de ascendencia stoner y más pesados dignos de bandas como Black Sabbath, Down (“Dortoken Mendean”, “Etorkizuneko Aurrekari Guztiak”) o Kyuss (“Jainko Ateoa”), pero sin olvidar esas melodías marca de la casa que siguen haciendo que sus canciones cuenten como himnos.
Resulta difícil valorar tan pronto si este podría ser el disco definitivo de Berri Txarrak, pero de lo que no hay duda alguna es que una vez más han hecho un disco que les sitúa en lo alto del panorama nacional, que ya se les está empezando a quedar pequeño. Ahora solo queda ver como funcionará a nivel internacional.
http://www.mediafire.com/download.php?mciqjy4mg4y
